Mejores Películas españolas :: Descubre las 50 mejores películas según el País

Las 50 mejores películas españolas de los últimos 50 años según el País

(Selección Babelia / El País, 10 de mayo de 2025)

Babelia, el suplemento cultural de El País, pidió a 53 críticos de la casa que votaran los títulos más relevantes del último medio siglo. El resultado –que encabeza Arrebato de Iván Zulueta y coloca nada menos que siete obras de Pedro Almodóvar en la lista– es una panorámica riquísima de estilos, géneros y sensibilidades del cine español

1. Arrebato (1979, Iván Zulueta)

Un director de serie B en horas bajas, su ex novia actriz y un misterioso joven obsesionado con filmar todo cuanto le rodea confluyen en un Madrid febril marcado por la heroína y el final de la Transición. Las bobinas de Súper 8 funcionan como un vampiro de celuloide que exige cada vez más “arrebatados” fotogramas.
La pieza adquirió estatus de culto por su mezcla irrepetible de terror íntimo y metacine, anticipando debates sobre adicción a la imagen y creatividad al límite. Redescubierta en los 2000, hoy se estudia como una de las obras radicales de la Movida.

2. La escopeta nacional (1978, Luis García Berlanga)

El industrial catalán Jaume Canivell organiza una cacería en un cortijo para congraciarse con la élite franquista y vender porteros electrónicos; el fin de semana se convierte en un circo de intereses cruzados y sexo soterrado.
Primera entrega de la trilogía berlanguiana sobre la España tardofranquista, exhibe el inconfundible plano-secuencia coral del director y una sátira despiadada cuya vigencia sigue intacta.

3. El sur (1983, Víctor Erice)

A través de los ojos de Estrella asistimos al misterio que envuelve a su padre, un médico del Norte que guarda secretos andaluces inconfesables. El film —inacabado tras la retirada de la financiación— destila melancolía, luz otoñal y la sensación de un recuerdo que nunca termina de revelar la verdad.
Considerada una joya inagotable sobre la memoria familiar, confirma la reputación de Erice como poeta visual tras El espíritu de la colmena.

4. Los santos inocentes (1984, Mario Camus)

En los latifundios extremeños de los 60, la familia de Paco y Régula sobrevive a merced de unos señores que ejercen un poder casi feudal. La dignidad del “Azarías”, con su célebre “milana bonita”, estalla en un violento ajuste de cuentas.
Adaptación fiel de la novela de Delibes, ganó el Premio de Interpretación en Cannes para Alfredo Landa y Paco Rabal y es todavía el fresco rural más amargo del cine español.

5. Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988, Pedro Almodóvar)

La actriz de doblaje Pepa Marcos intenta localizar a su amante mientras su ático se llena de gazpacho con somníferos, un terrorista chiíta, teléfonos que echan humo y amigas en crisis.
Con este vodevil pop, Almodóvar conquistó al gran público y logró su primera nominación al Óscar. El colorido diseño de producción y el dominio del esperpento madrileño definen la marca del manchego.

6. Amanece, que no es poco (1989, José Luis Cuerda)

Un profesor de universidad regresa con su padre a un pueblo donde los hombres nacen de la tierra, Dios se aparece en moto y los aldeanos votan quién será el guardia civil.
Surrealista hasta el delirio, la cinta se convirtió en fenómeno de culto gracias a sus diálogos chisporroteantes y su filosofía de “lógica demente”, única en la comedia española.

7. El desencanto (1976, Jaime Chávarri)

Documental-confesión en el que Felicidad Blanc y sus hijos —los poetas Panero— revisan la figura del patriarca franquista Leopoldo Panero. Entre rincones oscuros y risas nerviosas, se desnuda una familia tan literaria como herida.
El film, prohibido inicialmente, abrió el melón del desencanto posfranquista y se convirtió en retrato generacional imprescindible.

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8. Alcarràs (2022, Carla Simón)

La familia Solé, agricultores de melocotón, afronta la última cosecha después de que el propietario decida arrancar los árboles para instalar placas solares. Niños que juegan, adultos que callan, un verano que se evapora.
Oso de Oro en Berlín, consolida a Simón como voz naturalista y pone rostro humano al conflicto entre campo tradicional y capitalismo verde.

9. Cría cuervos (1976, Carlos Saura)

Ana, de ocho años, cree haber envenenado a su padre militar. Entre fantasía y realidad, evoca a su difunta madre y presencia el ocaso del franquismo reflejado en los silencios de su abuela y tía.
La canción “Porque te vas” convirtió la cinta en éxito popular; su mirada sobre la infancia como metáfora política sigue deslumbrando.

10. Función de noche (1981, Josefina Molina)

La actriz Lola Herrera y su ex marido, Daniel Dicenta, se citan en un teatro vacío para repasar las ruinas de su relación tras años de gira con “Cinco horas con Mario”.
Molina inventa un híbrido entre documental y ficción adelantado a su tiempo: terapia filmada, perspectiva de género y dolor hecho arte.

11. Todo sobre mi madre (1999, Pedro Almodóvar)

Manuela pierde a su hijo en un atropello y viaja a Barcelona para buscar al padre —un travesti que ignora la paternidad—. El camino la cruza con una monja seropositiva, una diva drogadicta y un torrente de sororidad.
Ganadora del Óscar y del César, la película consolidó el prestigio internacional de Almodóvar y popularizó la idea de “exceso sentimental” como virtud artística.

12. El viaje a ninguna parte (1986, Fernando Fernán Gómez)

Un viejo cómico rememora los años 40 y las penurias de las compañías ambulantes de teatro mientras la modernidad (y el cine) les deja sin público.
Metáfora nostálgica sobre los perdedores del espectáculo, dirigida e interpretada con maestría por Fernán Gómez, primer Goya a la Mejor Película.

13. As bestas (2022, Rodrigo Sorogoyen)

Una pareja francesa se instala en una aldea gallega para cultivar huerta ecológica. La incomunicación aviva resentimientos que escalan hasta la violencia.
Thriller rural que ganó nueve Goya, combina pulsión documental y tensión casi western para hablar de xenofobia, propiedad y orgullo.

14. ¿Quién puede matar a un niño? (1976, Narciso Ibáñez Serrador)

Dos turistas llegan a una isla mediterránea donde los niños han exterminado a los adultos. El terror se cocina a fuego lento entre calles vacías y risas infantiles fuera de campo.
Clásico seminal del horror ibérico, influyó en el slasher moderno y aún provoca pesadillas.

15. El crimen de Cuenca (1979, Pilar Miró)

Relato real de un pastor desaparecido en 1910 y de los dos inocentes torturados por la Guardia Civil para confesar el asesinato.
Censurada y secuestrada por la justicia militar, se convirtió en símbolo de la libertad de expresión recién conquistada.

16. Estiu 1993 / Verano 1993 (2017, Carla Simón)

Tras la muerte de su madre por sida, la pequeña Frida se adapta a la casa rural de sus tíos. El verano transcurre entre descubrimientos y silencios que hablan más que los adultos.
Ópera prima que ganó el Goya a Dirección novel y confirmó la sensibilidad intimista de Simón.

17. ¿Qué he hecho yo para merecer esto!! (1984, Pedro Almodóvar)

Gloria limpia escaleras, engulle anfetaminas y sobrevive a un marido taxista, suegra “amachizada” y dos hijos problemáticos.
Con aires de neorrealismo punk, la película retrata la precariedad doméstica y abre el camino a las heroínas almodovarianas.

18. Tesis (1996, Alejandro Amenábar)

Ángela descubre una posible “snuff movie” en los sótanos de la Facultad de Imagen mientras su compañero Chema y el seductor Bosco giran alrededor del proyecto fin de carrera.
Su tensión milimétrica y uso pionero de la universidad como escenario de terror revitalizaron el género en España.

19. El año del descubrimiento (2020, Luis López Carrasco)

Desde un bar de Cartagena se rememoran las protestas obreras que, en 1992, terminaron con el parlamento autonómico en llamas, contraplano cínico de la España olímpica.
El montaje en díptico, que reparte la pantalla en dos, dialoga con la memoria colectiva y ganó el Goya a Mejor Documental. (Wikipedia)

20. Furtivos (1975, José Luis Borau)

Ángel vive del furtivismo y bajo el yugo de su posesiva madre, hasta que aparece una fugitiva y prende el conflicto.
Oscura y sexual, fue León de Oro en San Sebastián y se leyó como alegoría del posfranquismo que nacía.

21. Belle Époque (1992, Fernando Trueba)

En la víspera republicana, un desertor del ejército recala en la casa de un pintor y sus cuatro hijas, cada una un matiz del deseo.
Comedia luminosa que ganó el Óscar a Película de Habla No Inglesa y lanzó a Penélope Cruz.

22. Los lunes al sol (2002, Fernando León de Aranoa)

Antiguos trabajadores navales de Vigo matan el tiempo entre subsidios, cervezas y planes imposibles.
Reflejo lúcido del desempleo post-industrial, dio a Javier Bardem su primera Concha de Plata.

23. Te doy mis ojos (2003, Icíar Bollaín)

Pilar huye de madrugada con su hijo para escapar de Antonio. El ciclo de violencia de género se retrata sin maniqueísmo y con perspectiva terapéutica.
El film cambió la conversación social sobre los malos tratos y ganó siete Goya, incluyendo película y director.

24. La isla mínima (2014, Alberto Rodríguez)

Dos policías ideológicamente opuestos investigan la desaparición de dos adolescentes en las marismas del Guadalquivir.
Atmosfera opresiva y fotografía pantanosa que recuerda a True Detective, sostenida por una trama de posfranquismo y misoginia.

25. La ley del deseo (1987, Pedro Almodóvar)

Pablo, director de cine gay, se ve atrapado por el amor enfermizo de Antonio mientras su hermana transexual sufre sus propios demonios.
Primer film abiertamente homosexual del cine español, mezcla melodrama y thriller para celebrar el deseo sin culpa.

26. [·REC] (2007, Jaume Balagueró & Paco Plaza)

La reportera Ángela Vidal acompaña a unos bomberos en un edificio barcelonés que queda sellado por una infección letal. Cámara en mano, gritos y pasillos a oscuras.
Fenómeno mundial del found-footage, generó saga, remake y devolvió el terror español a la taquilla internacional.

27. El laberinto del fauno (2006, Guillermo del Toro)

En 1944, la niña Ofelia descubre un fauno que le impone tres pruebas mientras su padrastro, capitán franquista, reprime a la guerrilla.
Alegoría de fantasía y brutalidad histórica que conquistó tres Óscar técnicos y refrendó a Del Toro como maestro del “realismo mágico oscuro”.

28. Mi vida sin mí (2003, Isabel Coixet)

Ann, madre de dos niñas, recibe un diagnóstico terminal y empieza a grabar cintas para su familia, mientras construye en secreto una nueva vida.
Rodada en Canadá y hablada en inglés, demuestra la sensibilidad cosmopolita de Coixet hacia los susurros y gestos cotidianos.

29. Los amantes del Círculo Polar (1998, Julio Medem)

Ana y Otto se enamoran de niños, se reencuentran de adultos y giran en una estructura circular de azar, nieve finlandesa y nombres palíndromos.
El montaje poético y la obsesión por el destino marcaron a toda una generación de espectadores.

30. Hola, ¿estás sola? (1995, Icíar Bollaín)

Nina y Trini huyen de Valladolid en caravana rumbo a la Costa del Sol, rastreando libertad laboral y amorosa.
Road-movie fresca que inauguró la mirada de Bollaín sobre mujeres jóvenes autodeterminadas.

31. El día de la bestia (1995, Álex de la Iglesia)

Un cura convence a un vendedor de death-metal y a un presentador de paraciencias para invocar al Anticristo en un Madrid prenavideño.
Goya a la dirección y humor satánico que inauguró la estética “trash-cañí” del autor bilbaíno.

32. Hable con ella (2002, Pedro Almodóvar)

Benigno cuida a Alicia, bailarina en coma; Marco llora a Lydia, torera accidentada. La amistad masculina surge en la sala de espera.
Guion ganador del Óscar y uso magistral del flashback mudo, la obra más lírica de Almodóvar.

33. Jamón, jamón (1992, Bigas Luna)

El hijo del dueño de un secadero de jamones se encapricha de una dependienta; su madre contrata a un modelo para romper la relación.
Mitología erótica de piernas y embutidos que lanzó al estrellato a Penélope Cruz y Javier Bardem.

34. De nens (2003, Joaquim Jordà)

Durante tres horas, un juicio por abusos sexuales sacude el barrio chino de Barcelona; víctimas, acusados y vecinos confunden rumor y verdad.
Jordà documenta la construcción del morbo mediático y denuncia la fragilidad de la justicia. (FilmAffinity)

35. El crack (1981, José Luis Garci)

El detective Germán Areta accede a los bajos fondos madrileños para encontrar a una joven desaparecida.
Homenaje al film-noir americano, fotografía en blanco y negro y un Alfredo Landa tan duro como tierno.

36. Mar adentro (2004, Alejandro Amenábar)

Ramón Sampedro pelea por el derecho a morir tras 30 años postrado; entre la abogada Julia y la amiga Rosa descubre dos maneras de amar la vida.
Óscar a Película de Habla No Inglesa y una reflexión profunda sobre la eutanasia.

37. La soledad (2007, Jaime Rosales)

Una joven madre que se traslada a Madrid y una viuda burguesa que sobrevive a un atentado coinciden tangencialmente.
Rosales experimenta con encuadres múltiples y tiempos muertos para capturar la banalidad del dolor cotidiano.

38. La Maternal (2022, Pilar Palomero)

Carla, de 14 años y embarazada, ingresa en un centro para madres adolescentes donde aprende a cuidar a su bebé y a sí misma. La cámara se mezcla con niñas reales, diluyendo ficción y realidad. (FilmAffinity)
La empatía de Palomero —ya premiada por Las niñas— otorga voz a una maternidad precaria pocas veces mostrada.

39. Amantes (1991, Vicente Aranda)

Un soldado licenciado se ve atrapado entre su prometida humilde y una viuda sensual; deseo, celos y crimen pasional se cuecen en la España de los 50.
El erotismo trágico y la fotografía nevada convirtieron el film en clásico instantáneo.

40. Barrio (1998, Fernando León de Aranoa)

Tres amigos del extrarradio madrileño pasan un agosto sin dinero: piscinas cerradas, discotecas inalcanzables y primeros amores.
Mirada tierna y crítica que ganó la Concha de Oro y retrató una generación olvidada.

41. Remando al viento (1988, Gonzalo Suárez)

En 1816, Lord Byron, Mary Shelley y Percy Shelley navegan por Suiza mientras nace Frankenstein y la muerte ronda su círculo.
Gótico romántico ganador de ocho Goya, célebre por su atmósfera pictórica.

42. El cant dels ocells (2008, Albert Serra)

Los Reyes Magos cruzan desiertos y montañas en un viaje casi silencioso hacia el Niño Jesús; largas tomas, blanco y negro hipnótico. (IMDb)
Serra practica un cine contemplativo que dialoga con Tarkovski y el minimalismo espiritual.

43. Cosas que nunca te dije (1995, Isabel Coixet)

Ann deja mensajes en contestadores automáticos para un amante que la ha abandonado; Don, empleado de videoclub, los escucha por azar.
Rodada en Portland, fue pionera del indie emocional en voz femenina.

44. La comunidad (2000, Álex de la Iglesia)

Julia encuentra 300 millones de pesetas en el piso de un vecino muerto; la comunidad hará lo imposible por quedarse con el botín.
Comedia negra frenética con ascensor asesino y vecinos como jauría, Goya a Carmen Maura.

45. Cinco lobitos (2022, Alauda Ruiz de Azúa)

Amaia, madre primeriza, vuelve a casa de sus padres en la costa vasca y descubre que la maternidad se comparte (y duele) en cadena generacional. (FilmAffinity)
Premiada en Málaga y Berlín, enternece por su realismo sin edulcorante.

46. Tras el cristal (1986, Agustí Villaronga)

Un ex-médico nazi tetrapléjico es atendido por un joven que fue una de sus víctimas; la relación deriva en espiral de dominación y culpa.
Terror psicológico de imaginería perturbadora que auguraba el universo oscuro de Villaronga.

47. Ese oscuro objeto del deseo (1977, Luis Buñuel)

Mathieu, burgués maduro, relata en tren su obsesión con Conchita, interpretada por dos actrices que encarnan deseo y rechazo.
Última película de Buñuel, síntesis de su ironía anticlerical y su ataque al eros burgués.

48. La flor de mi secreto (1995, Pedro Almodóvar)

Leo Macías escribe novelas rosa bajo seudónimo mientras su matrimonio se desploma y Madrid se tiñe de blues.
Obra de transición al Almodóvar más sobrio, preludio de Todo sobre mi madre.

49. La mala educación (2004, Pedro Almodóvar)

El director Enrique recibe a un antiguo compañero de internado que le trae un guion sobre abusos en el colegio religioso donde ambos estudiaron.
Film noir con capas de meta-cine y denuncia, presentado en la inauguración de Cannes.

50. Tres dies amb la família (2009, Mar Coll)

Lea, treintañera emigrada a Francia, vuelve a Girona por el funeral del abuelo y se reencuentra con sus parientes, presos de convenciones burguesas.
Ganó el Goya a directora novel y abrió la vía a un nuevo realismo catalán intimista.

Estas cincuenta obras demuestran que las mejores películas españolas no son un bloque uniforme sino un mosaico de miradas que dialogan con la Historia, la memoria íntima, el humor disparatado y los géneros populares. Del experimentalismo de Arrebato al humanismo cotidiano de Cinco lobitos, el cine español ha sabido reinventarse década tras década sin perder su acento propio.

Toda la información en el (El País)